Roca española es un relato sobre el Museo del Prado construido a partir de textos del pintor Ramón Gaya. Se han utilizado dos libros suyos: uno de entrevistas, Ramón Gaya de viva voz (Pre-Textos, 2007) y su Obra Completa (Pre-Textos, 2010). En ellos se han espigado cuidadosamente frases aisladas para tejer esta historia que narra cronológicamente la vida del pintor y su relación íntima con el Museo, contada en primera persona gracias al formato de las entrevistas, y donde se intercalan partes de algunos de sus escritos fundamentales como Diario de un pintor, Velázquez pájaro solitario, El sentimiento de la pintura?
El conjunto nos permite adentrarnos en El Prado guiados por alguien que lo amó profundamente, y que lo visitó cientos de veces a lo largo de toda su vida desde que entrara por primera vez a los diecisiete años.

Las grandes obras de arte plantean más interrogantes que los que son capaces de responder y su poder de fascinación a menudo reside en los misterios que dejan entrever. Del Nacimiento de Venus de Botticelli al Imperio de las luces de Magritte, maestro sin par del enigma, Grandes misterios de la pintura desvela esas zonas de sombra.

Como un juego del escondite, atendiendo a indicios desperdigados, descubriendo sentidos encriptados... este libro ofrece un análisis ameno y revelador de algunas de las principales obras maestras de la historia del arte. Obras que, seguro, ya nunca más veremos de la misma manera...

Aleksandr Andréyevich Ivánov (San Petersburgo, 1806-1858) dedicó los últimos veinte años de su vida a la confección de un único cuadro, La aparición del Mesías al pueblo (5,20 × 7 m), que se halla expuesto en la Galería Tretiakov de Moscú. La escena elegida marca el inicio del camino hacia la redención de la humanidad. Pero para poder representar la trascendencia de lo ocurrido, creía Ivánov necesitar algo más que su talento. En vano quiso buscar la fe mientras iba pintando el cuadro. Gógol, amigo del pintor, vaticinó que su novela Almas muertas y el cuadro de Ivánov serían las dos grandes obras que impulsarían la redención de Rusia. Sin embargo las cosas no sucedieron de ese modo, antes al contrario: Gógol, desconcertado por la recepción de su novela, cayó en una profunda crisis espiritual y poco antes de morir quemó las páginas manuscritas de la segunda parte de la novela; y el esfuerzo de Ivánov por encontrar la fe redentora no se vio recompensado. El protagonista del lienzo es ese pueblo al que la figura inquietante del Mesías debe aparecerse.
Ivánov buscó la ayuda del pintor nazareno Overbeck y el asesoramiento bíblico del filósofo David Strauss. Herzen le financió parte de sus gastos y lo ánimo para que no desfalleciera y lograra acabar el cuadro. Y Turguénev le dedicó unas emotivas páginas.

-- Ignacio de Llorens (Barcelona, 1957). Ejerce de profesor de enseñanza secundaria de historia y de filosofía en Palma de Mallorca.
Ha publicado el libro de entrevistas Porque nunca se sabe (Barcelona, Laia, 1985, en colaboración con J. A. González) y el libro de viajes El último verano soviético (Madrid, FAL, 1999). Colaboró en diversas revistas, entre otras: Vuelta y Letras Libres, de México; Polémica, Historia y Vida y Archipiélago, de Barcelona; Historia16, de Madrid y actualmente (2020) lo hace en La Gaceta de Alejandría, de Palma de Mallorca.
En 2015 tradujo del francés la novela Nerrantsula de Panait Istrati para Krk Ediciones.

El primer defensor del informalismo en España fue Juan Eduardo Cirlot. Sus relaciones con los pintores de este grupo se convirtieron en testimonios de combate en favor de la nueva tendencia, publicados en revistas, periódicos y catálogos de galería muchos de ellos hoy inencontrables.Los textos de esta antología profundizan en la obra de artistas como Antoni Tàpies, Antonio Saura, Modest Cuixart, Manolo Millares, Luis Feito o Rafael Canogar entre los españoles, y de Rothko, Fautrier, Fontana o Manzoni entre los internacionales. Pero lo que caracterizó la obra de Juan Eduardo Cirlot frente a los demás críticos del momento fue su intento de explicar el sentido general del informalismo tratando de esclarecer las ideas generales que unían a artistas que, en principio, parecían muy alejados los unos de los otros.Estos escritos son los de un poeta que se dedica a la crítica de arte. Las obras que lo ocupan empatizan con su poética. Muchos de estos textos son verdaderos poemas en prosa que van desentrañando no solamente lo que vemos cuando contemplamos un cuadro, sino —y mucho más importante— aquellas otras realidades ocultas que cuando miramos no se ven. Para ello Cirlot utiliza los recursos que le ofrecen la poesía, pero también la música, el simbolismo, la filosofía, la historia de las religiones o la historia del arte.

-- Edición de Elena de Santiago Páez y Javier González Santos

Los textos que convenimos en llamar Sobre el conocimiento de las pinturas originales y de las copias fueron escritos por Juan Agustín Ceán Bermúdez en Sevilla (1791 y 1805), mientras organizaba el Archivo General de Indias. El primero (que denominó Discurso) permaneció inédito, mientas el segundo (la Carta), más extenso y razonado, fue publicado en la prensa periódica en tres ocasiones (1806, 1843 y 1863) pero siempre sin firmar. La redacción respondía a un imperativo epistemológico que en el agitado mercado del arte y del coleccionismo institucional se fue imponiendo a partir de la segunda mitad del siglo xviii y comienzos del XIX: disponer de un método práctico y eficaz para conocer el estilo y maneras de los grandes pintores y así discernir sus obras originales de las copias. En ambos escritos se detalla el sistema y procedimientos empleados en la infancia de la historia del arte para saber ver pinturas y el método en el que el propio Ceán fundó su agudeza: el estudio y confrontación de los dibujos preparatorios y estampas de los propios artistas con las pinturas objeto de análisis.

-- Juan Agustín Ceán Bermúdez (Gijón, 1749 - Madrid, 1829) es el fruto más quintaesenciado de las ciencias humanas de la Ilustración española. Criado a los pechos de Jovellanos, fue el creador de la moderna historia del arte patrio. Aficionado a las bellas artes desde joven, aprendió a dibujar y pintar con Juan de Espinal (1769-1776) y Antonio Rafael Mengs (1776); esto y su cotidiana relación con artistas (como Francisco Goya) contribuyeron a cimentar su impecable formación técnica y perspicacia para las artes visuales.
Como historiador, puso en práctica el método racional, la sana erudición y crítica textual aprendidos de Jovellanos. Trabajador infatigable y riguroso, dio a la imprenta títulos imperecederos como el Diccionario histórico de los profesores de las bellas artes en España (Madrid, 1800), la Descripción artística de la catedral de Sevilla (Sevilla, 1804), la Carta sobre el estilo y gusto en la pintura sevillana (Cádiz, 1805), las Memorias para la vida de Jove Llanos (Madrid, 1814), la edición de las Noticias de los arquitectos y arquitectura de España de Eugenio Llaguno (Madrid, 1829) o el Sumario de las antigüedades romanas en España (Madrid, 1832). Pero gran parte de su producción quedó manuscrita. En 2016, Krk Ediciones publicó su Historia del arte de la pintura en España, editada por David García López y Daniel Crespo Delgado.

La mujer es la gran protagonista de esta exposición organizada por el Museo Sorolla y la Fundación Bancaja, en la que se presenta una muestra de las innumerables obras de Joaquín Sorolla que reflejan su vida cotidiana y los estereotipos en torno a ella con la intención de plantear una reflexión en torno a las diferentes imágenes que el pintor nos ofrece : la mujer mítica, la femme fatale, la inocente, la trabajadora, la madre, la aristocrática y burguesa, la moderna... Todo ese recorrido, en el que queda patente la particular mirada del artista, se acompaña en este catálogo de cuatro ensayos que nos permiten profundizar en esos aspectos de la obra de Sorolla dentro del contexto de la época de finales del siglo XIX y principios del XX, en la que se fue configurando la identidad femenina con la aparición de nuevos modelos de mujer.

Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático —no pretende apelar a la razón y al cerebro—, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y busca resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.

El nombre de Jonathan Brown está inexorablemente unido a Diego Velázquez y ese trabajo tan sólido y popular desde hace años a veces eclipsa otros intereses del autor que van desde el coleccionismo a agudas apreciaciones sobre el Greco o Murillo; el estudio de los cambios en la historia de las mentalidades que conlleva la llegada al "Nuevo Mundo"; las relaciones entre la producción española y americana en tiempos de la colonia y las numerosas implicaciones de ese cambio en el propio patronazgo. Pero Brown ha escrito también sobre Goya, sobre Picasso, sobre la pintura de esos otros nuevos grandes maestros. El presente volumen, "No solo Velázquez", intenta, así, presentar la producción del autor más allá del pintor barroco, reunir otros temas esenciales en el fértil discurso intelectual de Jonathan Brown. Con su estilo conciso y elegante, interroga a las pinturas decidido, sin perder jamás de vista el objeto y, al tiempo, se interroga sobre las propias pinturas y sus trazos como cambios en el mundo.