Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático —no pretende apelar a la razón y al cerebro—, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y busca resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.

La mujer es la gran protagonista de esta exposición organizada por el Museo Sorolla y la Fundación Bancaja, en la que se presenta una muestra de las innumerables obras de Joaquín Sorolla que reflejan su vida cotidiana y los estereotipos en torno a ella con la intención de plantear una reflexión en torno a las diferentes imágenes que el pintor nos ofrece : la mujer mítica, la femme fatale, la inocente, la trabajadora, la madre, la aristocrática y burguesa, la moderna... Todo ese recorrido, en el que queda patente la particular mirada del artista, se acompaña en este catálogo de cuatro ensayos que nos permiten profundizar en esos aspectos de la obra de Sorolla dentro del contexto de la época de finales del siglo XIX y principios del XX, en la que se fue configurando la identidad femenina con la aparición de nuevos modelos de mujer.

El nombre de Jonathan Brown está inexorablemente unido a Diego Velázquez y ese trabajo tan sólido y popular desde hace años a veces eclipsa otros intereses del autor que van desde el coleccionismo a agudas apreciaciones sobre el Greco o Murillo; el estudio de los cambios en la historia de las mentalidades que conlleva la llegada al "Nuevo Mundo"; las relaciones entre la producción española y americana en tiempos de la colonia y las numerosas implicaciones de ese cambio en el propio patronazgo. Pero Brown ha escrito también sobre Goya, sobre Picasso, sobre la pintura de esos otros nuevos grandes maestros. El presente volumen, "No solo Velázquez", intenta, así, presentar la producción del autor más allá del pintor barroco, reunir otros temas esenciales en el fértil discurso intelectual de Jonathan Brown. Con su estilo conciso y elegante, interroga a las pinturas decidido, sin perder jamás de vista el objeto y, al tiempo, se interroga sobre las propias pinturas y sus trazos como cambios en el mundo.

¿De dónde viene el color? ¿Cómo encuentran los pintores nuevas tonalidades y de qué manera influyen éstas en su obra? Desde la austera paleta de los griegos y la costosa pasión por el púrpura de los romanos hasta la gloriosa profusión del arte renacentista y la sobriedad cromática de Velázquez y Rembrandt; desde las tempranas incursiones de los pintores románticos en el laboratorio del químico al matrimonio, en ocasiones fallido y en otras espectacularmente exitoso, entre arte y ciencia en el siglo XX, la química y el uso artístico del color han existido siempre en una simbiótica relación que ha determinado sus respectivas evoluciones. La historia de la pintura ha estado influida por la disponibilidad o no de determinados pigmentos, y los descubrimientos científicos se han reflejado directamente en la paleta del artista. Lleno de anécdotas y apuntes etimológicos, La invención del color es una historia luminosa de la magia escondida en el lienzo del pintor.

https://www.circulobellasartes.com/libros/arte-digital-y-videoarte-2/

* Del siempre provocador autor de La vida de los surrealistas, nos llega este análisis innovador y entretenido sobre la importancia del lenguaje corporal en el arte, en el que reúne los dos ámbitos en los que es experto, el arte y la ciencia. * Cada vez que un artista representa a un ser humano, tiene que tomar una decisión respecto a la postura de la figura. ¿Estará de pie, sentada o recostada? ¿Sonriendo, gritando o llorando? ¿Se sujetará las manos, cruzará los brazos o alzará un puño?
* Además de analizar actos tan familiares como el apretón de manos, la señal de burla con el pulgar en la nariz y el codo dominante, Morris nos adentra en una absorbente historia de descubrimiento del arte y rastrea las raíces de numerosos gestos que han desconcertado e intrigado al mundo del arte durante años.
¿Por qué, por ejemplo, Napoleón posaba para los retratos oficiales con la mano derecha metida en su chaleco? ¿Qué significa el gesto que presenta El caballero de la mano en el pecho, de El Greco?
Un libro que abarca una enorme creatividad visual, desde figuras prehistóricas, objetos romanos y frescos renacentistas hasta arte contemporáneo y grafitis, y que nos desvela nuevas formas de observar el arte y nos descubre similitudes sorprendentes, además de gestos que hoy apenas se utilizan. Así, incluso las obras más conocidas se ven, de repente, bajo un nuevo prisma.

El estudio académico de la historia de las exposiciones y del comisariado es un fenómeno relativamente reciente. Aunque en su inicio se entrelazó con la historia del arte y con los estudios de museología, en los últimos años ha ido adquiriendo una progresiva autonomía. Las exposiciones se pueden estudiar como generadoras de esfera pública, como ámbitos discursivos y de representación, como dispositivos productores de experiencias psicológicas y sociales y como formatos de producción susceptibles de determinar la producción artística. El comisariado es una práctica de mediación discursiva que toma fuerza en la segunda mitad del siglo XX y cuyo "hacer" se distingue por la combinación de aspectos prácticos e intelectuales que dan sentido al conjunto heterogéneo de las obras de arte contemporáneas. Este libro entrelaza ambas genealogías y propone una historia unificada de su convergencia. Para ello despliega seis relatos que atraviesan este entrecruzamiento y propone líneas de interpretación de naturaleza más temática que cronológica.

A menudo imitado pero nunca igualado, Jan van Eyck (c. 1390-1441) dejó una huella indeleble en el arte renacentista y allanó el camino a los futuros pintores realistas. Con una precisión sin precedentes y un uso magistral del color, el Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, que representa la boda de una joven pareja, es testimonio de la maestría del pintor flamenco, referente de la escuela pictórica holandesa de los primitivos flamencos. Van Eyck pintó temas tanto seculares como religiosos, y enfatizó un realismo y naturalismo que se movía a la perfección entre el reflejo de la vida cotidiana del siglo XV y planteamientos poéticos y celestiales. Trabajó con pintura al óleo y aportó innovaciones técnicas que permitieron lograr colores de gran intensidad y profundidad.

Conozca la impresionante obra del artista con esta monografía publicada en tapa dura que incluye retablos, imágenes religiosas y retratos de encargo. Con detalles ampliados y pormenorizados análisis de obras maestras como el Altar de Gante, este libro también ofrece una cronología de la obra de Van Eyck, incluida la producción de su taller, que continuó incluso tras su muerte.