Uno de los principales artistas del simbolismo, Odilon Redon (1840-1916) fue también un pintor de extremos escénicos y emocionales. Hasta 1890 aproximadamente, el artista era conocido en exclusiva por sus obras en blanco y negro. Estos cuadros negros eran litografías y dibujos al carboncillo poblados por criaturas fantásticas y aterradoras en una paleta de colores lúgubres. Los tonos pastel, sin embargo, fueron abriéndose paso poco a poco por su obra y, con ellos, surgieron temas nuevos y menos sombríos. Las flores se convirtieron en un motivo recurrente. Donde otrora se alzaron símbolos de melancolía, ahora se abrían paso caballos y mariposas de alas batientes.

Si bien este lirismo y armonía de la última etapa de Redon contrasta vivamente con su melancolía anterior, sus principios rectores seguían «poniendo lo visible al servicio de lo invisible». Mediante una imaginería onírica, unas texturas suntuosas y un sugestivo uso del color, Redon buscó crear un equivalente pictórico de su propio espíritu. Fue sobre todo un artista que plasmaba estados de ánimo, tanto los malos presagios como la alegría, y que ejerció una considerable influencia en el posimpresionismo que vendría después.

Con motivo del centenario de una escuela de arte y diseño pionera, este libro celebra la fundación de la Bauhaus con un reconocimiento visual a sus figuras más infravaloradas. Aunque la institución proporcionó a las mujeres nuevas oportunidades para formarse, estas se vieron obligadas a lidiar con expectativas familiares poco razonables, la actitud ambigua del cuerpo docente y la Administración, convenciones sociales obsoletas y, en última instancia, la represión política del régimen nazi.

Sin precedentes en la literatura actual, Bauhaus Gals presenta a cerca de 90 artistas y artesanas a través de textos y retratos fotográficos, muchos de ellos inéditos hasta ahora. Recientes descubrimientos en los archivos recuperan las biografías de los talentos más conocidos, como Marianne Brandt, la primera mujer admitida en el programa de metalistería de la Bauhaus cuyos diseños todavía comercializa Alessi; Gertrud Arndt, a quien la universidad intentó disuadir de estudiar arquitectura pero brilló como fotógrafa y diseñadora de alfombras; Lucia Moholy, que tomó fotografías emblemáticas de los edificios de la Bauhaus pero pasó el resto de su vida intentando recuperar los negativos que le fueron ocultados. Además, gracias a este volumen recordamos a otras artistas cuyos nombres, prácticamente olvidados, también representan las primeras luchas por la igualdad de género, mujeres que se negaron a seguir el camino marcado por la sociedad y sus familias.

Con más de 400 retratos fotográficos tomados entre 1919 y 1933, Bauhaus Gals crea una impresión visual de las artistas que formaron parte de la escuela de arte más progresista del siglo XX y, desde ella, contribuyeron a cambiar el mundo del arte, la arquitectura, el diseño e incluso la política. La extensa información biográfica nos desvela la lucha individual de cada artista, su persistencia frente a la adversidad y sus increíbles logros. En este gran álbum familiar le invitamos a descubrir a un grupo de vanguardistas únicas cuyo legado abrió el camino a las artistas de las generaciones futuras.

This expanded and redesigned edition of MoMA Highlights presents a new selection from The Museum of Modern Art's unparalleled collection of modern and contemporary art. Among the 375 works represented (each with a vibrant image and an informative text), 170 objects and 120 artists make their first appearance in Highlights, reflecting MoMA’s ongoing commitment to the art of our time—and to the exhilarating diversity of ideas, audiences, and perspectives it embraces.

Esta exposición reúne cerca de un centenar de piezas que pertenecen al fondo del British Museum y que son originarias de un amplio territorio que abarca desde el Mediterráneo hasta Oriente Medio. Estos objetos, creados entre el 1.000 y el 300 aC, son una muestra elocuente de la diversidad de artículos de lujo producidos durante este periodo. Desde piezas de marfil hasta joyas y esculturas, los objetos de esta exposición no sólo exploran una artesanía exquisita, sino que también permiten percibir el contexto político en el que fueron creados y las redes comerciales a través de las cuales se difundieron.

Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos ni recetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder
" saborear "
una obra de arte en ausencia de su comprensión. Es decir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechas para príncipes ( " La Fiesta de Venus " , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( " La Rendición de Breda " , de Velázquez), y también para el público
" people "
(las serigrafías de Warhol), otras incluso para el propio artista (los autorretratos de Rembrandt). La capacidad de interpelación de la obra de arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de
" La Fiesta de Venus "
de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tan sensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.

Detrás del Muro 2 documenta la segunda edición de un ambicioso proyecto artístico llevado a cabo durante la Bienal de La Habana, en el que el Malecón de la ciudad se transforma en un museo a pie de calle. Este libro reúne las esculturas, pinturas, murales, instalaciones y performances creadas por más de 50 artistas procedentes tanto de Cuba como del extranjero, subrayando la interacción entre las obras y el público.

Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla 1617-1682) fue un artista tocado por la gracia, un cristiano implicado totalmente en su mundo, que hizo un gran bien en su época y lo debe seguir haciendo en nuestros días, llenando de ternura, alegría y esperanza tiempos que se nos presentan duros, desesperanzados y lejos de Dios. Un artista que no pintaba para hacernos creer que era real la fe que se trasluce en sus pinturas; simplemente pintaba lo que él sabía que era verdad. Y en Murillo todo es verdad. Pinta lo que cree, porque cree en lo que pinta. Y los que con ojos nuevos se acercan a sus cuadros son conscientes de que todo lo que reflejan no es ya fruto de la capacidad creativa de un genial artista, sino un tenue reflejo del esplendor que durante unos instantes ha brillado ante los ojos de su espíritu.

Leonardo da Vinci fue un genial pintor, además de un excepcional dibujante e inventor que concibió máquinas voladoras e ingenios bélicos o de recreo avanzados a su tiempo. Observador atento de la naturaleza, de las plantas y el agua, de los cuerpos y los rostros humanos, su infinita curiosidad lo convierte en la encarnación perfecta del ideal de hombre del Renacimiento y en un artista de una modernidad insospechada.
Es precisamente esa dimensión visionaria de los inventos y el arte de Leonardo el aspecto más destacado en esta obra magníficamente ilustrada. Los numerosos dibujos del artista, extraídos de sus códices y cuadernos, permiten profundizar en el método de este ingeniero que ansiaba descifrar los ritmos y las leyes del continuo movimiento del mundo. Sus formidables intuiciones supusieron un punto de inflexión en la historia del arte; su fantasía, su personalidad y sus viajes a través de Italia y Francia nos siguen fascinando hoy en día...
La obra contiene más de trescientos facsímiles e ilustraciones, entre ellos la carta de Leonardo da Vinci a Ludovico el Moro en Milán, bocetos y dibujos técnicos extraídos de los códices, estudios de astronomía y el plano de la ciudad de Imola.

* Gilbert Brownstone, acompañado del fotógrafo Camilo Guevara, hijo del Che, nos * Gilbert Brownstone, acompañado del fotógrafo Camilo Guevara, hijo del Che, nos invita a conocer los talleres de varios artistas que figuran entre los más importantes de Cuba. * Un análisis, a través de entrevistas exclusivas a 35 artistas de extraordinaria influencia, de su intimidad creativa, así como una libre discusión relativa a su formación y el lugar del arte en ese país caribeño.
* El arte cubano contemporáneo no había gozado jamás de tal pluralidad de actividades estéticas, así como de artistas y jóvenes talentos emergentes, de acontecimientos y de exposiciones como en la actualidad.
Una descripción general del desarrollo cultural y artístico de Cuba desde 1900, en diversos medios, incluidos la pintura, el dibujo, la escultura, las instalaciones y las artes visuales. Una generación de artistas plurales que se ha formado después de la Revolución, cuando el acceso a la cultura y a la educación se convirtió en una pluralidad absoluta. Su actividad de ha visto enriquecida fundamentalmente por la isla, tierra de mestizaje y de cruce. Una invitación a conocer esta isla caribeña y dinámica, y su patrimonio artístico: una obra imprescindible para cualquier interesado en el arte y la cultura contemporáneos.

Juan Downey fue un artista multidisciplinario chileno que destacó por ser uno de los pioneros del videoarte en su país y en el mundo. Este libro incluye la compilación más completa de sus obras realizada hasta la fecha, junto con nuevos estudios críticos elaborados por destacados especialistas.