El binomio arte-patrimonio forma parte de los orígenes mismos del audiovisual con los inicios del cine. Desde entonces hasta la actualidad la contribución de este sector a la difusión del patrimonio cultural y a la creación de imaginarios artísticos ha ampliado sus horizontes más allá del ámbito cinematográfico en un escenario mediático cada vez más diversificado. Paralelamente, el creciente interés sobre las relaciones entre el audiovisual, las diferentes expresiones artísticas y el patrimonio cultural ha favorecido en los últimos años la apertura de nuevas vías de reflexión dentro de la comunidad científica para abordar este asunto desde una perspectiva multidireccional. Es en este punto donde nace esta obra colectiva que pretende ofrecer al lector una aproximación a esas sinergias que se establecen entre los diferentes registros del audiovisual, como son el cine de ficción, el documental, el film-ensayo o la televisión, y la realidad artística y patrimonial, atendiendo a cuestiones históricas, estéticas, iconográficas, sociológicas e industriales.

A lo largo de una fructífera vida consagrada al arte, Joaquin Sorolla forjó un estilo propio, lleno de luz, color, incluso sabor. Pero en su vasta obra también abordó estilos con los que habitualmente no se le identifica, como el costumbrismo, el modernismo o la pintura social, e incluso realizó una importante obra en tonalidades oscuras. Triunfó en Roma, París o Nueva York y recorrió España para pintar sus rincones y sus gentes. A los cien años de su muerte, su obra sigue muy vigente.

Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, Sorolla en 30 claves muestra el perfil humano y revindica la riqueza artística de este singular pintor. El libro se ilustra con una selección de las obras de Sorolla, así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del artista, y otras imágenes variadas (desde los lugares en que vivió hasta objetos de la época) que en su conjunto contextualizan y ofrecen una cuidada edición.

Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente; lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización ?por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales?. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.

En su calidad de arquitecto jefe de propaganda, José Gómez del Collado (Cangas del Narcea, 1909-1995) fue en los años cuarenta del pasado siglo el gran artífice de las arquitecturas efímeras y de los actos públicos del general Franco. Ejerció además labores de protocolo siendo responsable directo, entre otras cosas, de organizar y acompañar a Eva Perón en su célebre visita a España en 1947. Si bien Gómez del Collado, realizaría a partir de los años cincuenta una obra de cierto interés en diversos lugares de Asturias, esta etapa de su vida, apenas conocida, ha sido posible reconstruirla a partir del hallazgo e investigación de una notable documentación inédita procedente de diversos archivos, especialmente del Archivo General de la Administración. Aunque el enfoque de este trabajo lo es desde el punto de vista de los actos propagandísticos, su desarrollo permite comprender en buena medida los entresijos del poder, los valores, personajes y grupos de presión cambiantes, mucho más allá de la apariencia monolítica de los tremendos años cuarenta.

Color y Luz. Escuela de artistas cuenta con expertos tanto del mundo del arte tradicional como digital que exploran a fondo la teoría y la práctica del uso del color y la luz para ayudarte a mejorar tus trabajos.

Charlie Pickard supera los aspectos básicos y presenta una teoría del color en detalle. Entre los temas más avanzados están la jerarquía cromática, la valoración tonal, la constancia del color y la exposición. Descubre cómo crear y controlar el color mediante el tono, el valor y el croma. Seguidamente, Pickard aborda el inmenso tema de la luz y explica, mediante ejemplos muy bien ilustrados, algunos conceptos complejos como el sombreado, la forma, la profundidad y la textura. Se presentan tres tipos de materiales básicos: mates, especulares y transparentes, para que ganes confianza a la hora de pintar cualquier objeto que se presente.

A continuación, los conocidos artistas Djamila Knopf, Guweiz y Nathan Fowkes te guiarán a través de unos detallados tutoriales especialmente diseñados para que explores el uso del color y la luz. Los proyectos se presentan por etapas. En cada una, el artista en cuestión comenta las decisiones que ha tomado para crear unos colores llamativos, una iluminación verosímil, una atmósfera cautivadora y un entorno realista. Cada artista trabaja de una forma diferente, lo que facilita una gran variedad de métodos para llevar la teoría a la práctica. A su vez, los artistas de la sección de la galería, también expertos en su terreno, realizan su aportación con todo un abanico de estilos, habilidades y técnicas.

Esta obra supone una oportunidad única de estudiar el color y la luz de forma extensa y constituye un completo material de referencia al alcance de la mano.

Un ameno y sugerente recorrido por los secretos del arte dentro del arte.
«La mirada de Óscar Martínez siempre nos sugiere nuevas perspectivas para observar las obras de arte. Las inusuales relaciones entre diferentes pinturas que teje en este libro convierten la metapintura en un juego de descubrimiento de una frescura sugerente».

Miguel Ángel Cajigal, El Barroquista
El eco pintado nos habla de esos cuadros especiales en los que se reproducen otras imágenes en su interior. Pinturas que contienen dibujos, carteles, mapas de continentes lejanos, antiguas fotografías, otras pinturas o incluso misteriosos espejos. Cuadros que, al incluir otras imágenes entre los límites de sus marcos, se adentran en el terreno de lo que conocemos como «metapintura» y plantean interrogantes que van más allá de la mera representación de la realidad.
Por estas páginas desfilan obras de maestros como Gauguin y Picasso, Sofonisba Anguissola y Van Eyck, el Greco y Van Gogh, Vermeer y Velázquez, ofreciendo a los lectores un acercamiento diferente a cuestiones que, a priori, pueden parecer ajenas a la historia del arte occidental, pero que en realidad están relacionadas de maneras sugerentes e insospechadas. Así, en este ensayo narrativo se fusionan temas artísticos y pictóricos con otros de la más reciente actualidad ?la emergencia climática, el pensamiento lateral, los peligros de la vanidad o el auge del medievalismo?, para mostrarnos de qué manera imágenes creadas hace décadas, o incluso siglos, son capaces de conectar directamente con el pensamiento contemporáneo y plantear dilemas que aún hoy nos interpelan.

A primera vista, las acuarelas de animales a gran escala tan sumamente detalladas recuerdan a los grabados de los ilustradores del siglo XIX John James Audubon y Edward Lear. Una segunda mirada más de cerca, sin embargo, revela un complejo universo perturbadoramente antropomórfico, lleno de símbolos, bromas pícaras y alusiones a la cualidad “operística” de la historia natural tradicional.En este universo visual asombroso y siniestro a un tiempo, las bestias y los pájaros no son meros objetos estéticos sino más bien actores dinámicos en batallas alegóricas: un pavo aplastando a un pequeño loro con sus garras, una colección de monos causando estragos en una mesa formalmente dispuesta, o un búfalo rodeado por una manada de lobos blancos ensangrentados. Las imágenes, deslumbrantes acuarelas, impresionan tanto por su impecable realismo como por su complejo contenido.Disponible originalmente en edición limitada y firmada, este volumen actualizado de Pancha Tantra es el estudio más exhaustivo de la obra de Ford hasta la fecha, que incluye más de 20 nuevas obras del artista. Ofrece detalles deslumbrantes, una exploración en profundidad de su universo visual, una biografía completa y extractos de los textos que le sirvieron de inspiración: desde cuentos populares indios y las cartas de Benjamin Franklin a la Autobiografía de Benvenutto Cellini y la Ornithological Biography de John James Audubon.

Esta obra es un estudio original e inédito sobre la parodia, la caricatura y la comedia como retóricas culturales en la antigua Grecia. Con más de cien ejemplos recogidos de vasijas, tablillas, frascos u otros soportes, esta obra de Álvarez Junco constituye una ventana por la que asomarnos a uno de los aspectos menos conocidos y poco estudiados de una parte de la sociedad griega: su humor gráfico. ¿Cómo dialogan lo obsceno, lo sagrado y el humor en la antigua Grecia? Un recorrido a través de la configuración del sistema figurativo clásico y del juego con sus propios elementos reglados, que nos dará las claves para entender lo que hemos heredado y lo que, inevitable¬mente, hemos perdido de aquella sociedad de la que venimos.

Cuando solo es un niño, su madre le dice: «Si te haces soldado, llegarás a general. Y si te haces cura, serás Papa.» Años más tarde, Picasso explicará: «Decidí ser pintor, y me convertí en Picasso.» Es decir, el artista por excelencia del siglo XX. Le basta un solo cuadro, Las señoritas de Aviñón, para revolucionar la pintura moderna. Será el gran maestro del cubismo, pero también pintará lienzos a favor de la paz. En estas páginas descubrirás estas y otras historias de un pintor que nunca dejó de ser joven.