En este ensayo sobre Gilbert & George se incide en el carácter transgresor de su obra, en su inconformismo con las ideas mayoritarias de su época: una obra que aprovecha cualquier elemento molesto para la sociedad o el mundo del arte. Dan buena prueba de ello cuestiones como la fusión del arte y el artista; el tratamiento abierto de su íntima relación con la bebida; la plasmación de la crueldad y la violencia como elementos constitutivos de la cotidianidad social; el aprecio por otras razas; la asunción del deseo homosexual por los jóvenes y la propia desnudez; las referencias a emblemas militaristas y signos políticos extremistas, o la representación del dolor y la desdicha con toda su crudeza. Temas que han estado, y permanecen estando, en los límites de lo admisible por las mentes biempensantes de la sociedad. Es la suya una obra que nace y se desarrolla en un ambiente netamente urbano. A lo largo de su historia artística resulta llamativa la presencia constante de la ciudad de Londres. En este texto, y través de sus obras, podemos recorrer muy diferentes paisajes y paisanajes de la gran urbe. Pero su topografía no la encontraremos en ninguna guía de la ciudad. Son visiones extrañas y comprometidas de una metrópoli multicultural, imágenes de los sectores menos favorecidos y de las circunstancias o motivos menos glamurosos, pero no por ello menos londinenses. Son los escenarios urbanos que muchos no desean conocer. Coincidiendo con la gran exposición antológica dedicada a Gilbert & George en la Tate Modern de Londres, esta obra aparece recogiendo lo más significativo de su trayectoria y se ilustra con una amplia selección en color de sus piezas más emblemáticas, escogidas por los propios artistas para esta publicación.

La ideología basada en el sistema patriarcal impuesta durante siglos ha negado secularmente a las mujeres la capacidad de crear, tras relegarlas al espacio doméstico y a las tareas reproductivas, convirtiendo en natural una división del trabajo que las apartaba de cualquier posibilidad de ser consideradas como artistas y las recluía en los papeles de musa y modelo. Una ideología que ha puesto en el centro del mundo al varón, con la consecuente marginalización de lo femenino.

Durante la mayor parte de la historia de la Humanidad, las artistas se sometieron a los condicionantes socioartísticos que marcaban lo que debía definir las creaciones femeninas. Así, entre el ocultamiento y el sometimiento, pocas artistas se atrevieron a reflejar las verdaderas condiciones de vida de las mujeres, ni a llevar a sus obras sus reivindicaciones y su visión del mundo.

A pesar de las imposiciones ideológicas, la resistencia al orden patriarcal dio lugar al feminismo en su doble vertiente de pensamiento y movimiento, con un eco social variable entre los siglos XVIII y XX. Ello no podía dejar de ejercer un impacto sobre la práctica artística.

La intención de la obra es detenerse en aquellas autoras que, a pesar de no haber estado conscientemente unidas y articulado un grupo con el propósito de destacar la experiencia femenina, manifiestan a través de su obra una conciencia y valorización de esta, hasta llegar a la generación de una teoría y una práctica artísticas decididamente feministas en las últimas décadas del siglo XX.

El nombre de Daniel Buren se encuentra vinculado, desde mediados de los años sesenta, a una vía de producción en el arte contemporáneo que ha procedido a la paulatina pero incesante deconstrucción de los diferentes fundamentos sobre los que se apoya la maquinaria institucional. Sus reiterados cuestionamientos del marco de exhibición constituido por el museo/galería (nada en él es neutral, ningún elemento se encuentra exento de contenido político), así como el enriquecimiento del concepto de "arte público" que su obra ha supuesto, lo convierten, sin duda alguna, en uno de los nombres imprescindibles del arte de las últimas décadas.

Catálogo de la exposición homónima de la National Gallery de Londres sobre Canaletto y los principales pintores venecianos del siglo XVIII. («Canaletto y sus rivales»: National Gallery, Londres, 13 de octubre 2010-16 de enero 2011 // National Gallery of Art, Washington, 20 de febrero-30 de mayo 2011.)
En colaboración con la National Gallery, la editorial Nerea presenta este hermoso catálogo, bellamente ilustrado, que recoge el amplio abanico de pintores que, con Canaletto a la cabeza, representaron el paisaje veneciano, con su luz siempre variable y sus espectáculos y ceremonias.
Aunque Canaletto es el artista que comúnmente se asocia con las imágenes paisajistas de Venecia, la pintura de vistas en la Venecia del siglo XVIII congregó una constelación de artistas extraordinarios, que plasmaron desde los famosos espectáculos de la Serenísima hasta los lugares más recónditos de la ciudad en deslumbrantes pinturas que se sitúan entre los logros más destacados del arte dieciochesco.
Junto a Canaletto, todas las figuras principales —Bellotto, Carlevarijs, Guardi, Joli, Marieschi y Vanvitelli— están representadas en esta cuidada edición, además de otros fascinantes pintores de la época, como Cimaroli y Tironi. Una breve biografía de cada uno de los pintores introduce las obras, agrupadas cronológicamente por autor.
Imprescindible para todos los interesados en el arte del siglo XVIII, especialmente en la obra de Canaletto, así como para todos los lectores que deseen, a través de sus páginas, disfrutar de la exposición de la National Gallery y de la siempre fascinante imagen de Venecia.
El editor de la obra, Charles Beddington, es académico independiente y marchante de arte londinense. Ha pronunciado numerosas conferencias y publicado diversas obras sobre Canaletto y otros pintores de vistas italianas del siglo XVIII. Es autor de Canaletto in England.

4.ª EDICIÓN. Nueva encuadernación en rústica.
¿Por qué los teléfonos modernos tienen teclas que no sirven para nada? ¿Por qué no se sabe, con frecuencia, si para abrir una puerta hay que empujar, o tirar, o si se trata de una puerta deslizante? ¿Por qué es tan difícil entender un manual de instrucciones?
Con muchos ejemplos similares y en clave de humor, Donald A. Norman, uno de los psicólogos más imaginativos de las últimas décadas, analiza los problemas del diseño de los objetos que nos rodean en la vida cotidiana y el tipo de conocimiento que cada uno requiere. La obra es también una amena y lúcida lección de psicología que utiliza el diseño como excusa.
«Todos somos víctimas de la perversidad natural de los objetos inanimados. He aquí un libro que, por fin, se revuelve contra los objetos, los diseñadores, los fabricantes y el resto de los seres humanos que originan y mantienen esta perversidad.» Isaac Asimov
«Un libro entretenido y apasionante, lleno de historias sobre cómo se diseñan los objetos y sobre cómo deberían ser diseñados.» R. Shank, catedrático de Psicología de la Universidad de Yale
«Un libro lleno de encanto, de enorme importancia para todos los que vivimos en un mundo de máquinas que no sabemos manejar y manuales de instrucciones que no nos ayudan a aprender, y para aquellos que diseñan el mundo. Los psicólogos nos acusan de haber perdido el contacto con nuestros sentimientos; Norman demuestra que ni siquiera tenemos contacto con los objetos que nos rodean.» The Magazine of International Design.
Donald A. Norman es profesor emérito de Ciencia Cognitiva en la Universidad de California, profesor de Ciencias de la Informática en la Universidad de Nortwestern y distinguished visiting professor en el Departamento de Diseño Industrial del Korea Advanced Institute of Science & Technology de Daejon (Corea del Sur). Consultor (y cofundador) del Nielsen Norman Group, en su larga trayectoria académica, galardonada por las Universidades de Delft y Padua, ha centrado sus investigaciones en la psicología cognitiva, la usabilidad de los objetos y el diseño emocional, áreas sobre las que ha publicado numerosos libros, como Memory and Attention: An Introduction to Human Information Processing, Things That Make Us Smart (1993), The Invisible Computer (1998), Emotional Design (2004) y Living With Complexity (2010).

El presente ensayo pretende dar una amplia panorámica del uso heterogéneo y dispar que los creadores contemporáneos han venido haciendo con la fotografía en las últimas cuatro décadas. Para el autor del libro resulta complejo, por no decir fútil, delimitar la frontera entre fotografía de creación y cualquier otro tipo de práctica fotográfica, pues buena parte de estos artistas han promovido la “amateurización” y el mestizaje del medio fotográfico como recurso estético, contraviniendo así las tesis clásicas que defendían el virtuosismo o el profundo conocimiento técnico como condición sine qua non para legitimar cualquier discurso genuino de autor.